Teatro Enrique Molina Gramendia, "TEATRO VIEJO".

Reseña Historica del Teatro Enrique Molina.

Conocidas como las ruinas del Teatro del Liceo de Hombres Enrique Molina Gramendia de Concepción, son el testimonio más antiguo de edificio público en una ciudad azotada periódicamente por terremotos; el de 1865 llamado la Ruina, que hizo desaparecer la ciudad colonial; de 1939, el más destructivo registrado en la historia mundial, que dañó toda la ciudad neoclásica; y de 1960, que término por hacer desaparecer los edificios que sobrevivieron al interior del sismo.
El 9 de agosto de 1823, se funda el instituto Literario, origen del actual Liceo de Hombres Enrique Molina Garmendia de Concepción. Tras continuas politícas de fortalecimiento y desarrollo educacional e infractuctura, llega a plantearse como una futura Universidad para la ciudad la primera del sur de Chile.
A principios de la segunda década del siglo XX, el arquitecto chileno Onofre Montané Urrejola, diseñó un proyecto para el nuevo Liceo, el cual abarcaba toda una manzana de la ciudad, por tanto más de una hectárea de terreno construido . Este proyecto venia a reemplazar al antiguo edificio de 1851 diseñado por el arquitecto fránces Pierre Dejean, el cual se encontraba en malas condiciones y no cumplía con los nuevos requerimientos técnicos.
Las grandes dimensiones del proyecto reflejaban la decisión estratégica de trasformarse paulatinamente en Universidad. En el Liceo ya se dictaban cursos. El edificio se construyó entre 1911 y 1915, pro inicialmente solo el volumen del externado, que estebaba orientado a la entonces Alameda de las delicias, hoy Parque Ecuador, en las faldas del cerro Caracol, que conforma todo el costado sur del casco histórico de la ciudad. Al fundarse la Universidad de Concepción en 1910, y emplazarse en otro terreno, marcó la decisión de no construir integramente el proyecto, del cual se concretaron las zonas del internado en 1930, el auditorio o Teatro en 1935, con ciertas modificaciones al diseño original realizadas la oficina The Fundation Company.
Repentinamente el movimiento telúrico del 21 de mayo de 1960, daño los estudios de la época el edificio, siendo demolido en 1968. Sobrevivió el Teatro, y se reveló urbanamente, pasando a ser el conformador del parque en ese punto, un permanente testigo y revelador visual de la ciudad y de los penquistas.

Teatro de la Universidad de Concepción.

Teatro La Memoria, primera puesta en escena, La Manzana de Adán.

En el año 1990 el Teatro La Memoria inicia los ensayos de la obra La Manzana de Adán basada en el libro del mismo nombre de las autoras Claudia Donoso y Paz Errázuriz. En este libro se presentan los testimonios textuales y fotográficos de un grupo de travestis que circulaban en Santiago y Talca y en ellos dan cuanta de su lucha diaria por sobrevivir a la represión social de que son objeto por su condición sexual.
El trabajo realizado en ensayos y proceso de investigación dieron como resultado un trabajo en donde el texto y las imágenes eran prácticamente susurradas al oído del espectador, evitando toda autocompasión, pero sumergiendose en el dolor, la crudeza, el amor, y la muerte. Los actores se expusieron en su profunda soledad, despojados de si mismos, a ser invadidos por la palabra, y sus cuerpos a ser activos resonadores de violencia.
La sensación de que muchas de las cosas exploradas en La Manzana de Adán en cuanto al trabajo actoral, dramaturgia y puesta en escena, necesitaban se profudizadas y afianzadas los llevo a postular , el año 1991, a las becas de función Andes que ofrecía para apoyar la creación artística.
Fotografía: www.memoriachilena.cl

Formación Teatral del TUC (1953-1962)

El TUC no solo tuvo una larga lista de obras internacionales y nacionales realizadas durante muchos años, si no también tubo una academia de arte.
La primera iniciativa de formación teatral propiciada por el teatro de la universidad de concepción fue la Academia de Arte Dramático fundada en 1653 por Brisolo Herrera, quien también dirigió el primer montaje del elenco, La fablilla del secreto bien guardado de Alejandro Casona.
La Academia de Arte Dramatico en el año 1654 constaba de 6 cursos: Historia del teatro, actuación, expresión corporal, impostación de la voz, esgrima y maquillaje. Aunque a partir de 1956 comenzó a figurar una convocatoria para incorporarse a la escuela de teatro del TUC. Algunos curso ofrecidos el año 1954 se mantuvieron durante 1956, salvo esgrima y expresión corporal, agregándo otras más, como dicción y análisis gramatical.
En el año 1957 figuró por ultima vez la nómina de cursos, manteniéndose el de impostación de la voz y maquillaje, a los que sumo interpretación teatral, anales dramáticos o iniciación a la obra dramática y preparación física.
Los primeros días de abril de 1959, el Sur informó que la escuela de teatro habia comenzado a funcionar bajo la dirección de Gabriel Martinez, siete meses después de la inauguración de la escuela de teatro, en 1959 los medios locales anunciarón el montaje de tres obras teatrales: El pastel y la torta, El casamiento, comedia de Anton Chéjov; y Martes, jueves y sábado, comedia chilena de Aurelio Díaz.
En 1960, el elenco del TUC inició un ciclo de Radio- teatro, dirigido por el director de la escuela , e inaugurado con dos obras: Té y simpatía de Anderson Ymbert y La zapatera prodigiosa de Federico Garcái Lorca.
La escuela de teatro funciono como tal hasta el año 1963. A partir de 1964 figuró en la prensa local como Club Universitario de Teatro, dirigido por Juan Guzmán, hasta el año 1969; para que a partir de 1970 el Club Universitario de Teatro pasó a llamarce Taller Experimental de Teatro de la Universidad de Concepción.

Fotografía: Radio teatro en Radio Universidad de Concepción.
Historia del Teatro de la Universidad de Concepción, TUc.
Marta Contreras, Patricia Henriquez, Adolfo albornoz.

¿Cómo surge el TUC ?

La historia del teatro de la uiversidad de Concepción, TUC es la historia de una comunidad de creadores y espectadores que durante 3 décadas (1945- 1973) vivió y compartió intensamente el trabajo y la experiencia teatral. Durante ese periodo el TUC inició su camino con un modesto nacimiento como conjunto aficionado de provincia, llego a ser reconocido como la mejor compañía profesional del país y una de las principales del continente.
El TUC surge con la urgencia necesidad artísticas locales y el marco de una realidad nacional cuyo proyecto educativo aparece como una prioridad de los paises en desarrollo.
El proceso mediante el cual el TUC realiza sus prácticas,son actos no resueltos, de una cultura política, económica, social.
El TUC esta conectado netamente con la vida universitaria, particularmente en la década de los cincuenta y sesenta en Concepción.
El teatro de la universidad de Concepción inauguró sus actividades en noviembre de 1945 con la puesta en escena de la Zapatera prodigiosa de Federico García Lorca. Esta puesta en escena dio origen en chile al primer teatro universitario de provincia y a un discurso periodístico teatral, propio por años
Durante la etapa funcional 1945-1950, fue sujeto a la sociedad de ex alumnos de la universidad, el elenco figuró en los diarios locales como "teatro universitario".
A partir de la conformación del consejo de teatro de la universidad (1950), el elenco comenzo a depender de la institución universitaria y recibió su nombre definitivo, teatro de la universidad de Concepción, TUC.

Fotografía: Historia del teatro de la Universidad de Concepción, TUC.
Marta contreras, Patricia Henriquez, Adolfo Albornoz

Particular concepto de belleza.

A propósito de Claudio Bravo podemos encontrar en sus creaciones la necesidad de belleza en particular entendido de que esto se relaciona con la serenidad, la quietud y la emisión completa del dolor, la tragedia o la crueldad, es otro de los predicamentos de Claudio Bravo. Pero "¿ Las imagénes de Claudio Bravo corresponden al dominio de la realidad o del dominio de la ilusión?"; este es una de las preguntas que me hice al conocer este artista.
En una primera mirada, uno puede observar que el artista parece reducir el color y la linea a los datos mas inmediatos revindicando el poder de la representación, esto tiene por efecto que su pintura sea mucho más accesible a cualquier observador.
En Claudio Bravo pareciera ser que su pintura es completamente intangible, en ella no habría por donde perderse.
Nos invita a mirar, nos dice: ¡deténganse! por eso su interés con los objetos, tazones, vasos, envoltorios de papel, para que el objeto que nos presenta solo en su dimensión práctica, también pueda adquirir sensibilidad.

Claudio Bravo Camus.

Claudio Bravo es uno de los pintores Chilenos vivos, más prestigiosos en el mundo.

Nació en Valparaíso, el 8 de Noviembre de 1936.
De familia de agricultores, vivió gran parte de su infancia en la zona rural de Melipilla. Comenzó a dibujar a los once años mostrando una clara vocación por las expresiones artísticas. Aunque su afición no fue apoyada en un principio por sus más cercanos, logró tomar clases en el taller de Miguel Venegas Cifuentes, con quien estudió dibujo y pintura. Además escribió poesía, bailó profesionalmente en la Compañía Ballet de Chile y trabajó en el Teatro de Ensayo de la Universidad Católica.
A principios de la década de los sesenta, vivió en Concepción donde se hizo un nombre como retratista. Luego de exhibir sus obras en la Universidad de Concepción y buscando perfeccionarse en su técnica, viajó a Europa en 1961. Cautivado por la escuela realista clásica de los grandes maestros, decidió radicarse en España donde adquirió fama como retratista de la alta nobleza y la aristocracia europea. A mediados de la década, los retratos dieron paso a sorprendentes naturalezas muertas. Objetos cotidianos de la vida moderna y otros aparentemente sencillos, como piedras y envoltorios, deslumbraban al espectador al ser llevados a la tela con minucioso realismo. El artista había llevado su técnica a los límites de la perfección.
En 1972 se radicó en Tánger, Marruecos. En ese mismo año participó en la Documenta 5 de Kassel, en una época en que se imponía con fuerza la tendencia hiperrealista liderada por Robert Bechtle y John Kacere. En 1981 realizó su primera exposición en la Marlborough Gallery de Nueva York, galería que desde ese entonces, lo representa internacionalmente.
En1994, realizó una gran exposición individual en el Museo Nacional de Bellas Artes, la que se convirtió en una de las más concurridas de la historia.
Por sus méritos y aportes artísticos, le fue concedida la nacionalidad española por el Consejo de Ministros de España, el 1° de Julio de 2002.

Fotografía: http://www.dpm-cultura.org

Leyes,costumbres y vida Azteca.

Hijo mío muy amado....sábete y entiende que no es aquí tu casa donde has nacido, porque eres soldado y criado, eres ave que llaman quecholli...esta casa donde has nacido no es sino un nido....tu oficio es dar de beber al sol con sangre de los enemigos, y dar de comer a la tierra, que se llama Tlaltecuhtli, con los cuerpos de tus enemigos.


Habéis de estar dentro de casa como el corazón dentro del cuerpo....habéis de ser ceniza con que se cubre el fuego del hogar.

Celebraciones para sacrificar.

Los aztecas celebraban una ceremonia horripilante en honor de Huehuetéotl, Dios el fuego. Los prisioneros de guerra y sus aprehensores tomaban parte en una danza en honor a dios y al día siguiente los cautivos ascendían a lo alto de la plataforma donde se les arrojaba yaubtli (iztafiate) en la cara, polvo que los anestesiaba para que no se dieran cuanta de su terrible destino. Después de preparar un gran fuego , cada sacerdote se apoderaba de un cautivo y atándole manos y pies, se lo colocaba en la espalda. Alrededor de las brazas se celebraba una danza macabra y uno por uno iban arrojando su carga a las llamas. Antes que la muerte interviniera, los sacerdotes enganchaban al cautivo con grandes garfios y arrancaban el corazón de los cuerpos ampollados.


Un año antes de su ejecución se escogía al prisionero de guerra más hermoso y valiente. Los sacerdotes le enseñaban modales y mientras se paseaba tocando melodías divinas. Después decía el último adiós al brillante cortejo y entraba a un pequeño templo acompañado de ocho sacerdotes que lo habían atendido todo el año. Los sacerdotes subían primero las gradas del templo y él los seguía. En el alto de a plataforma los sacerdotes lo tendían en la piedra de los sacrificios y le arrancaban el corazón. En consideración a su calidad divina anterior, su cuerpo era conducido, no arrojado por la escalera; pero su cabeza iba a reunirse con los otros cráneos ensartados junto al templo.


Los aztecas no alcansarón este nivel espiritual, pero el símbolo de sus sacrificios tiene, sin embargo, su propia belleza. Pensaban que para que el hombre sobreviviera, los dioses que permitían su existencia debían su mejor alimentación de las preciosas de las ofrendas, los corazones del hombres.


Los dioses demostraban a a los aztecas su favor y su fuerza, permitiéndoles prosperar; pero los aztecas, por su parte, tenían que sacrificar corazones a los dioses para conservar su buena voluntad.

Fotografía: Historia de iberoamerica. Tomo 1

Para conocer a los Aztecas.

Su cultura floreció en el valle de México, a partir del siglo XIV d.C. ,y hasta el siglo XVI, cuando la conquista española la extinguió. Los Aztecas se instalaron junto al lago de México, era un grupo pequeño asediado por vecinos mas poderosos, los aztecas fundaron allí una ciudad lacustre; Tenochtitlán.

Los aztecas que conocemos bien era un pueblo poderoso, señor de un imperio temido en todos los rincones de sus dominios; célebres con sus sangrientos sacrificios. La historia muestra que no siempre fueron así y, al mismo tiempo, su evolución nos permite comprender mejor la cultura que Córtes y sus hombres sometieron.

La sociedad azteca estaba dividida en tres clases: esclavos, plebeyos y nobles. Por otro lado en la religión azteca numerosos dioses regían la vida diaria. Entre ellos Huitzilopochtli (deidad del sol), Coyolxahuqui (la diosa de la luna que, según la mitología azteca, era asesinada por su hermano el dios del sol), Tláloc (deidad de la lluvia) y Quetzalcoátl (inventor de la escritura y el calendario, asociado con el planeta Venus y con la resurrección.

Los aztecas utilizaban la escritura pictográfica grabada en papel o piel de animales. Todavía se conserva alguno de estos escritos, llamados códices. También utilizaban un sistema de calendario que habían desarrollado los antiguos mayas. Tenía 365 días, divididos en 18 meses de 20 días, a los que se añadían 5 días 'huecos' que se creía que traían mala suerte. Utilizaban igualmente un calendario de 260 días (20 meses de 13 días) que aplicaban exclusivamente para adivinaciones. La educación era muy estricta y se impartía desde los primeros años. A las mujeres se les exhortaba a que fueran discretas y recatadas en sus modales y en el vestir y se les enseñaban todas las modalidades de los quehaceres domésticos que, además de moler y preparar los alimentos, consistían en descarozar el algodón, hilar, tejer y confeccionar la ropa de la familia. A los hombres se les inculcaba la vocación guerrera.

Los jóvenes aprendían música, bailes y cantos, además de religión, historia, matemáticas, interpretación de los códices, artes marciales, escritura, conocimiento del calendario, entre otras disciplinas.

Fotografía: Historia de iberoamericana

Tomo 1

Diego Ribera: Memorias visuales de su pasado histórico Méxicano.

Cuando hablamos de Diego Ribera (1886-1957), nos referimos al amestro de los murales que han dejado plasmados memorias visuales de México. Desde que era muy pequeño a Diego le encantaba pintar, tanto que su padre cubrió todas las paredes de un cuarto con papel para que pudiera pintar a su antojo, es este el comienzo de este gran artista. Pero Diego siguio y mas tarde famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Perteneció al partido comunista Méxicano (PCM), del cual fue expulsado dos veces; su participación en el PCM estaba muy influenciado por sus actividades como pintor, ya que expresa sus ideas comunistas a través de sus obras, sus acciones eran observadas cuidadosamente por el PCM ya que su participación en el comunismo mas tarde podría ser representada por él en sus obras plásticas.

Por otra parte junto con Guadalupe Posada, Diego era considerado el padre del muralismo Méxicano y del arte plástico en México.Ribera interpretó la historia desde un punhjto de vista nacionalista revolucionario,junto con otros artistas de la epoca como Frida Kahlo.

Además de aquellas ideas muralistas, tambien aplicaba con destreza técnicas modernistas. Aún así, su influencia más grande fue la de Picasso. Con sus pinturas cubistas como "Paisaje Zapatista" y "Marinero en el almuerzo" Ribera logro ser conocido en Paris.

Diego comenzó profesionalmente a hacer sus murales al conocer a José Vascvoncelos un filosofo a cargo del ministerio de educación.Vasconcelos era parte del nuevo régimen despues de la revolución y tenía muchas ideas innovadoras para cambiar el sistema educativo de méxico.

Una de sus ideas más importantes fue la creación de muales en edificios públicos para que el arte pudiera compartirce con el pueblos. Los temas intentaban ilustrar la identidad Méxicana, se asigno a Diego su primer mural llamado "creación".

Así mismo la revolución Rusa, con la que estableció una estrecha relación a tarvés del poeta Vladimir Maiakovski y la relación con Frida Kahlo, son aspectos que nos encierran en su vida pero sobre todo en sus obras, en donde fue uno de los artistas latinoamericanos más importante.

Fotografía: http://www.geocities.com/kuraish/

Introducción a la Arquitectura Maya y Azteca.

Uno de los temas que surge sobre la arquitectura amerindia es el de sus lenguajes. Así como se encuentra un notorio paralelismo en lo mítico- religioso de toda America antigua. A pesar de las similitudes estructurales de las culturas hegemónicas- Olmeca, Teotihuacana, Zapoteca, Maya, Tolteca, Tiwanakota o inca- cada cultura tuvo su propia concepción morfoespacial. Tal realidad establece un general urbanismo proyectado con tipos de obras afines; pirámides, templos, plazas hundidas, palacios, campos de pelota entre otros. En la zona Maya su Arquitectura se caracterizo por la construccion de edificaciones impresionantes que formaban un centro consagrado al culto. Se distinguen dos tipos: las destinadas a las ceremonias religiosas y los palacios que servían. de morada a los sacerdotes. Un ejemplo claro es El templo del sol. Por otro lado y no tan distinto a la cultura Maya esta la cultura Azteca, en donde su Arquitectura, es la máxima expresión del arte monumental de los aztecas y es fundamentalmente religioso; destinada al culto de sus divinidades. Pero además ofrece las siguientes características: Es de grandes masas y medidas coloquiales, hacia afuera presenta un modelo geometrico y monótono, por dentro es de espacios estrechos y oscuros; como materiales, empleaban el adobe, la piedra y la madera.

La capital y la gema de la arquitectura azteca era Tenochtitlán. La fundación de Tenochtitlán fue el resultado de una profecía religiosa. La ciudad estaba situada en una isla en el centro del lago Texcoco. La ciudad tenía canales y edificios como el Templo Mayor. Los edificios son de adobe y piedra. Había mucha arenisca y adoquinpara construir los edificios. El color de la arenisca daba a Tenochititlán una aparición blanca. También, los aztecas tenían algunos metales que otras culturas no tenían, como mucho oro para usar en sus edifios y esculturas, esto quiere decir que su arquitectura era de gran importancia en sus civilizaciones no sólo por los materiales utilisados en cada uno de sus templos si no tambien por qeu la propia capital de la arquitectura es Tenochtitlán, fundada a través de una profecía religiosa.

Kukulcán

En la mitología Maya, el Kukulcán es un Dios cuyo nombre significa "serpiente emplumada", esta serpiente deciende en los vértices del edificio en forma de columnas de aire durante los 2 solsticios (instante en que el sol alcanza los dos puntos de eclíptica mas alejadas del ecuador). Fue una deidad rápida asimilada por la aristocracia, a pesar que se incorporó al panteón maya en una época tardía. El Kukulcán alcanza trascendencia en la penínzula del Yucatán, en dodne su nombre fue utilizado por muchos gobernantes para alcanzar prestigio.
Por otro lado podemos encontrar una diferencia a Quetzalcóatl, netamente estas diferncias se deben al clima entre ambas regiones. Para los aztecas, Quetzalcoatl no solo era el señor del sol, sino el propio Dios sol del pais. Kukulcán ademas tiene los atributos de un Dios trueno. En el clima tropical de Yucatán y Guatemala, el sol a mediodia parece dibujar las nubes de su alrededor con formas serpeantes, de éstas emanan el trueno, la luz y la lluvia, por lo que Kukulcán parecia haber atraído a los mayas más como un Dios del cielo que como un Dios de la propia atmósfera, a pesar que muchas veces las estelas del Yucatán representan a Kukulcán con el aire saliendo de su boca como muchas representacines Mexicanas de Quetzalcoatl.
También podemos decir que según las crónicas mayas , Kukulcan al igual que Quetzalcoatl, es el conquistados que llegó a Yucatán por el mar desde el oeste, hacia finales del siglo X, y se convirtio en caudillo y fundador de su civilización.

Fotografía: http://abcdioses.noneto.com/mayas/dioses/kukulcan.htm

Unos cuantos Piquetitos

Frida Kahlo en el año 1935 realizo uno de sus trabajos llamado Unos cuantos Piquetitos en donde destaca un reportaje periodistico sobre el asesinato por celos de una mujer. El reportaje mensiona a un asesino que habia defendido su causa con las palabras "¡pero si sólo le di unos cuantos piquetitos!" de ahi el nombre de su pintura.
Una vez más esta cruel presentación guarda relación con su vida personal; su relación con Diego Ribera durante la creación del cuadro es hasta tal punto problematica que sólo mediabte el símbolo de su pintura lograba tomar aliento. Ribera en esa época había iniciado una relación amorosa con Cristina, hermana de Frida; profundamente herida decide abandonar su realción.
Gracias a sus cuadros Frida logra apartarce de su angustia y recomenzar su nueva vida; Unos cuantos piquetitos, refleja el estado psiquico de la artista. Las heridas causadas por la fuerza brutal masculina parecen sustitutos de su daño emocional.


Fotografía: Texto: Frida Kahlo: 1907-1954 Dolor y Pasión
Autor: Kettenmann, Andrea

Frida Kahlo: Creación de sus obras

Dedicada a la pintura después de un accidente (1925) que la dejo convaleciente en una cama nos damos cuenta de la importancia y el por que de sus pinturas. Frida tiene situación única y solitaria en la pintura de México, como lo mencionan los críticos, algunos de sus cuadros son de lo mejor que se ha pintado a mediados del siglo xx. En algunas representaciones, tiene en cuanta los orígenes de la cultura mexicana y se caracteriza como “autentica” mexicana proveniente de la mezcla de sangre india y española; pero no sólo eso aunque sus cuadros encierran el realismo puro, mas de la mitad de las obras de Frida Kahlo son autorretratos, en los cuales expresa el estado de ánimo correspondiente; sin su pintura que es su resurrección cotidiana y magnifica su relación con el mundo dentro de una realidad amarga, que ella transforma pintando con su corazón, se abría ahogado en sus propios ojos, que siempre ven hacia adentro. Frida pinta desde su propia vida.

En la mayoría de las autorepresentaciones, la artista se pintaba en escenarios de amplios paisajes o frías habitaciones vacías que reflejan su soledad, no sólo eso si no también da adhesión a su sufrimiento y dolor, a sus abortos, a su enfermedad, a la situación política de ese entonces y sobre todo a su relación con Diego Ribera.

Su pintura es trágica referida siempre a su vida interior, refinada y sangrienta con delectación al dolor, para liberarse de él y exaltar la vida.

Frida tenía una relación muy estrecha con el comunismo es por esto que se hace presente en sus pintura que dio una función cartelera, propagandista, aún cuando la artista ya e los primeros años de su creación artística, había sabido tomar posición política en sus obras de manera más sutil. Como artista mexicana era partidaria de los valores mexicanos posrevolucionarios y apoyaba la búsqueda de la identidad nacional.

Pero Kahlo también se da esperanza a seguir adelante ya que después de el premio de pinturas obtenido por el retrato “moisés” (1946) Frida fue aconsejada para una nueva operación a su columna es por esto que realiza el autorretrato “árbol de la esperanza mantente firme” su cuerpo desnudo, herido y debilitado se opone a Frida la fuerte, mirando directamente al futuro, donde parecía querer darse ánimos a si misma.

Una larga lista de cuadros realizados por Frida donde la hacen una de las mas importantes artistas Latinoamericana no solo por que en sus pinturas vemos “estenografías” coloniales o mexicanas, si no también por que podemos ver el interior de esta artista.

Fotografía: Texto: Frida Kahlo: 1907-1954 Dolor y Pasión
Autor: Kettenmann, Andrea